Museo Carmen Thyssen

En este caso será a través del excepcional ejemplo que representan Francisco y Juan Ribalta, y especialmente el primero (pues Juan falleció tempranamente, el mismo año que su progenitor, en 1628), dentro del primer naturalismo valenciano de comienzos del siglo XVII. Su arte, de gran maestría en la descripción realista y cargado de una intensa emoción y patetismo para excitar la devoción y simpatía de los fieles, representa una cumbre creativa del Siglo de Oro, que una selección de diez obras del Museo de Bellas Artes de Valencia permitirá destacar y explicar. Asimismo, la colaboración de ambos en el taller familiar dará pie a ahondar en la producción de la iconografía religiosa, de santos y escenas bíblicas, en el barroco español.


Juan Ribalta, Preparativos para la Crucifixión, 1615
Óleo sobre lienzo, 311,7 x 239,5 cm
Museo de Bellas Artes de Valencia

Manuel Franquelo (Málaga, 1953 – Madrid, 2024) fue un artista inclasificable e irrepetible, creador de un universo hiperrealista tan personal, cotidiano y humilde que su obra (escasa además por la lentitud de su proceso de trabajo, detallista hasta la obsesión) pertenece a esos márgenes de la historia del arte donde residen algunos de nuestros más grandes creadores. Voluntariamente recluidos en un mundo propio, ajeno a tendencias, mercados y distracciones de cualquier tipo, en el que sólo existen el artista y sus pinceles, lápices o buriles, suspendidos en un tiempo que sus obras han convertido en eterno.

Como pequeño homenaje desde su tierra natal, que el Museo Carmen Thyssen Málaga organiza con la colaboración de la familia del artista, esta exposición íntima, delicada y minimalista ofrece un fugaz vistazo a un poco de lo mucho que fue el arte de Franquelo. La serie de catorce estampas El lenguaje de las cosas y dos estampaciones fotográficas a partir de los motivos trabajados en ellas no sólo enseñan ese trabajo solitario, casi de ascetismo monacal, sino que muestran retazos de su estudio, de los objetos más insignificantes que se acumulaban en él, de forma azarosa y circunstancial, y con los que dio forma a un microcosmos que parece el de un coleccionista de instantes.

Asimismo, dos dibujos de paisajes urbanos de Madrid, su ciudad de adopción, ejemplifican cómo tras las puertas de su estudio el mundo era para Franquelo otro cúmulo más de cosas inertes, de formas organizadas en el espacio, susceptibles de integrar otro bodegón de la vida, en silencio y quietud. Y todo ello con una técnica de sobrecogedora minuciosidad, que desafía al ojo hasta el límite.

Foto:
Manuel Franquelo, Naturaleza muerta con pájaro, 2003
Estampación fotográfica al platino paladio sobre papel, 62 x 57 cm.
Cortesía del artista. © Manuel Franquelo, VEGAP, Málaga, 2026.

En la caracterización típica y genérica de España y lo español buena parte de los referentes visuales y conceptuales proceden del folclore de Andalucía. «Descubierta» para el mundo por los viajeros extranjeros a comienzos del siglo XIX, esta tierra en los márgenes del Grand Tour ilustrado quedó asociada desde entonces a un imaginario de exotismo, libertad, diversión, ociosidad y vida despreocupada. Y a un repertorio de ma­nifestaciones artísticas y culturales y tipos populares que sigue, doscientos años des­pués, funcionando como claim para difundir lo andaluz y lo español dentro y fuera de nuestras fronteras.

La mirada paternalista a una región salvaje o primitiva, la admiración y fascinación por sus bellezas, la asimilación de sus temas como identidad de vanguardia española, la repetición estereotipada y kitsch del tipismo más recalcitrante o el cuestionamiento, desde la ironía o la denuncia, de una imagen de postal, incompleta, interesada o direc­tamente falsa del país, son algunos de los muchos enfoques que han convivido o se han alternado en las artes plásticas desde el siglo XIX para construir, entre propios y extraños, una idea e imagen de Andalucía.

A través de una extensa selección de obras y artistas, esta exposición conjugará varias de esas miradas para trazar un mosaico de lo que, bajo la apariencia de un mero motivo iconográfico, es, en realidad, una lectura histórica de cómo los creadores españoles han interpretado y proyectado su propia identidad desde presupuestos muy diversos, reforzando o enfren­tando los tópicos del typical Spanish.

Nuestra propuesta curatorial pretende analizar el mito in situ, desde un museo en su propio epicentro geográfico y desde una perspectiva específicamente española, tanto o más autora y culpable de las bondades y abusos de la idea de Andalucía como la foránea (que también acompaña con algunos ejemplos este discurso), y que los casi dos siglos de reflexión artística en torno a ella que aquí se muestran han con­vertido en un asunto poliédrico, controvertido y fascinante.

Y lo hacemos desde un planteamiento desprejuiciado, ofreciendo un recorrido por un fenómeno de alcance internacional que es lo que se ve: un retrato colectivo de lo andaluz (y por asimilación de lo español) que los artistas españoles impregnaron de orgullo o incertidumbre, belleza o crónica negra, exaltación patria o promoción turística, rancidez o modernidad, veracidad o invención, pertinencia o anacronismo y tantas otras caras y cruces de una misma realidad. Desde dentro y más allá del cante y baile fla­mencos, tipos de piel morena y pelo negro, mantillas, abanicos, guitarras, toros y toreros y todo el repertorio ineludible de un imaginario tan fértil como recurrente.

Fotos:
Joaquín Sorolla, Estudio para La cruz de mayo, c. 1914-1915. Museo Sorolla, Madrid
Kees van Dongen, Vieja gitana, 1910. Colección C. Moreno-Torres