Museo Carmen Thyssen

Las miradas de las fotógrafas Lisette Model (1901-1983) y Helen Levitt (1913-2009) se cruzan en esta exposición en las calles de la Nueva York de los años cuarenta. Observando a los habitantes de la ciudad a través de los objetivos de sus cámaras de 35 mm, y con estilos propios y diferentes, ambas realizaron una fotografía callejera, moderna y original, protagonizada por seres corrientes que disfrutan de la vida en una urbe multirracial y vibrante, que ellas captan de forma directa y honesta. En los años de la Gran Depresión y en la antesala de la Segunda Guerra Mundial, Model y Levitt recorren distritos populares de Nueva York, como Harlem o el Lower East Side, fascinadas por sus personajes. Pero no hacen una fotografía documental al uso, de denuncia de la situación social y económica, sino que simplemente retratan lo que ven: imágenes vívidas, sencillas y verdaderas de la mera realidad cotidiana de las gentes en una ciudad que, en las fotografías de ambas, y entonces como ahora, se define a través del caleidoscopio de su street life, de lo que ocurre en sus calles de barrio y en sus avenidas principales.

Con esta muestra, el Museo Carmen Thyssen Málaga reivindica a dos de las mejores y más influyentes pioneras de la Street Photography estadounidense de los años cuarenta, cuya calidad e interés testimonia la veintena de fotografías seleccionadas, procedentes de las Colecciones de la Fundación MAPFRE.

Lisette Model, nacida en Austria y exiliada en Nueva York desde 1938, desarrolló una larga carrera en Estados Unidos. Colaboró con revistas como Harper’s Bazaar, expuso regularmente en el MoMA, y enseñó y practicó una fotografía directa, más visceral que la de Levitt («dispara desde el estómago», aconsejaba), de primeros planos, cercanos e impactantes, y encuadres radicales que confrontan al espectador con personajes de intensa y espontánea expresividad. Entre las fotografías expuestas hay ejemplos de su serie Reflections, instantáneas centradas en los reflejos en los escaparates comerciales, donde los transeúntes se convierten en sombras y el entorno urbano se mezcla con los objetos expuestos. Y retratos tomados en calles y bares en los que el interés se concentra en rostros, cuerpos y ropas, con planos recortados para ajustar el encuadre a la figura. 

Inspirada por la fotografía de Henri Cartier-Bresson y de Walker Evans, la neoyorquina Helen Levitt reflejó en sus imágenes de los años treinta y cuarenta la vida callejera, alegre y despreocupada, de los niños de los barrios de inmigrantes de la ciudad. Exentas de crítica o de compasión, estas fotografías muestran, en cambio, una visión lírica y amable de una Nueva York intimista en medio de su frenético ritmo urbano. Varias de las fotografías aquí expuestas formaron parte de su primera exposición individual en el MoMA, Photographs of Children (1943). En ellas consiguió una perfecta combinación de encuadres, poses, gestos, expresiones y movimientos, capturando momentos únicos y fugaces. Imágenes similares aparecen también en el cortometraje In the Street grabado en esas mismas calles en 1948 y que aquí se proyecta. 

Lisette Model, Café Metropole, New York, c. 1946. Gelatina de plata. Colecciones Fundación MAPFRE. © 2023 Estate of Lisette Model, courtesy Baudoin Lebon, Paris and Avi Keitelman, Brussels
Helen Levitt, New York, c. 1940. Gelatina de plata. Colecciones Fundación MAPFRE. © Estate of Helen Levitt 2023

Conformada por nueve obras que el pintor Luis Feito (1929-2021) realizó entre 1956 y 1962, esta exposición se centra en un período especialmente decisivo, tanto de su trayectoria creativa individual, como para la apertura del arte español a una nueva vanguardia en la que la abstracción marcará una ruptura radical con los tiempos precedentes.

En esos años, Feito participó en la fundación del grupo El Paso, creado en 1957 y pionero en la apuesta por el informalismo en España, y junto al resto de sus integrantes tuvo una amplia proyección internacional, contribuyendo a la creación de un ambiente artístico renovado y audaz. De esta etapa son sus lienzos más matéricos, de colores ocres, negros y blancos, en los que la protagonista es simplemente la propia pintura, al margen de contenidos y significados. Como Feito explicaba: «yo quería que la pintura tuviera un valor por sí misma, que no ilustrara nada». A partir de estas experimentaciones con óleo y arena, surgirá una progresiva depuración formal y estética, con tímidas sugerencias geométricas dentro del caos matérico, rojo ya desde 1961-1962, que anuncia etapas posteriores de su larga trayectoria.  

Gracias a la generosa colaboración de su heredero, la selección que presentamos muestra algunas de sus creaciones más personales y apreciadas, que lo acompañaron a lo largo de toda su vida y cuelgan aún hoy en las paredes de su casa y estudio en Madrid. En ellas se percibe el intenso combate de fuerzas que el artista libró en cada pintura, trasladando a los lienzos una fuerte carga emocional y expresiva, que impresiona al espectador y sintetiza el impulso creador de Luis Feito.

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Luis Feito, N.º 165, 1960. Óleo y arena sobre lienzo, 199 x 240 cm. Colección del artista. © Luis Feito, VEGAP, Málaga, 2023
Luis Feito, N.º 280, 1962. Óleo y arena sobre lienzo, 114 x 162 cm. Colección del artista. © Luis Feito, VEGAP, Málaga, 2023
Estudio de Luis Feito en Madrid, 2023

Conformada por más de un centenar de imágenes pertenecientes a la Colección Telefónica, esta exposición sigue la mirada del fotógrafo argentino Horacio Coppola (1906-2012) por las calles de Buenos Aires en la década de 1930. Sus viajes por Europa y su paso por la Bauhaus en los últimos momentos de existencia de la escuela, así como su propia visión fotográfica, próxima ya desde los años veinte a las corrientes de vanguardia internacionales (Nueva Objetividad y Nueva Visión), cristalizaron, tras su regreso a Argentina a partir de 1935 en el momento cumbre de su fotografía. En esos años, las imágenes realizadas con su cámara Leica, resultado de largos paseos Buenos Aires, a veces en compañía de su amigo Borges, son el retrato apasionado, y el primero intensamente moderno e innovador, de las calles, edificios y gentes de la ciudad porteña, donde las geometrías de los espacios rozan la abstracción, y encuadres y contrastes sorprendentes conforman unas instantáneas de enorme calidad.

Ese Buenos Aires de Horacio Coppola fue también el de la fotógrafa alemana Grete Stern. Exiliada en la ciudad desde 1935, en que se casó con Coppola, y hasta su fallecimiento, Stern (1904-1999) llevó a Argentina una práctica fotográfica inédita e innovadora, aprendida en el estudio de Walter Peterhans y en la Bauhaus, en Berlín, a finales de los años veinte, en un momento fundacional de la fotografía de vanguardia. De ella se exponen veinticinco fotomontajes, cortesía del IVAM, ejemplos pioneros del género en la Argentina de los años cuarenta. Creados como ilustración de la sección «El psicoanálisis le ayudará» de la revista femenina Idilio, entre 1948 y 1951, para acompañar las interpretaciones de los sueños de las lectoras por parte de un psicoanalista, los fotomontajes integran una serie, conocida como Sueños, que muestra una producción fotográfica de gran originalidad, protagonizada por mujeres en un mundo onírico y surrealista y con un latente contenido reivindicativo.

Imágenes:
Horacio Coppola, Perfil de la ciudad hacia el norte, 1936. Gelatina de plata, 27 x 37 cm (copia moderna). Colección Telefónica © Archivo Horacio Coppola. Galería Jorge Mara-La Ruche, Buenos Aires

Grete Stern, ¿Quién será?, 1949. Fotomontaje n.º 7 de la serie «Sueños». Gelatina de plata (copia actual). Cortesía del IVAM. Institut Valencià d’Art Modern, Generalitat © Archivo Grete Stern. Galería Jorge Mara-La Ruche, Buenos Aires