Museo Carmen Thyssen

Una treintena de obras de más de veinte artistas componen este mosaico heterogéneo y colorista de la pintura figurativa que en los años ochenta se convirtió en símbolo de la nueva modernidad nacida con la transición y la llegada de la democracia.

Para los protagonistas de este prolífico episodio del arte contemporáneo español aquélla fue una década de reivindicación de la pintura: de su vigencia como medio para la exploración artística renovadora y de su capacidad para ofrecer propuestas creativas originales que reflejaran el tiempo de libertades recién estrenadas. Un período de auténtico placer de la pintura.

Una nueva figuración, liberada y multicolor, hedonista y apolítica en sus temáticas, cargada de expresividad y plasmada en lienzos de grandes formatos, triunfó en manos de jóvenes artistas, activos en algunos casos desde los sesenta y los setenta (como Gordillo, Arroyo o los esquizos de la figuración madrileña: Franco, Alcolea, Pérez Villalta, Cobo, Quejido, Molero) o incorporados desde los ochenta a un escenario plural y en plena efervescencia creativa (García Sevilla, Barceló, Patiño, Lamas, Gadea, Ugalde).

Pese a sus procedencias diversas (muchos de ellos de Andalucía), todos compartieron un entorno común —con el Madrid de la «movida» como epicentro geográfico—, y un propósito generacional de crear una pintura nueva que cada uno resolvió de forma personal, en un período de optimismo y entusiasmo, totalmente diferente al precedente de la dictadura.

En el multiforme panorama de aquel momento, donde la figuración convivió con una abstracción también renovada frente al informalismo de los cincuenta y los sesenta y se impuso al arte conceptual, esta exposición aborda la preeminencia de un tipo de pintura sin normas, rebelde y provocadora, que hizo bandera de lo lúdico, lo frívolo y del puro placer de pintar y de mirar; una pintura liberada que artistas, críticos, galerías e instituciones convirtieron en espejo de la liberación colectiva de la España de los ochenta.

Guillermo Pérez Villalta. Escena. Personajes a la salida de un concierto de rock, 1979
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
© Guillermo Pérez Villalta, VEGAP, Málaga, 2025

Carlos Alcolea. Los borrachos, 1978-1979
Colección Museo Helga de Alvear, Cáceres
© Carlos Alcolea, VEGAP, Málaga, 2025

Miquel Barceló. Mapa de carne, 1982
Colección de Arte Contemporáneo Fundación “la Caixa”
© Miquel Barceló, VEGAP, Málaga, 2025

Patricia Gadea. Viaje al Monte Negro, 1984
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
© Patricia Gadea, VEGAP, Málaga, 2025

Varias décadas de fotografía documental, desde 1930 a 1980, dan forma, en esta selección de más de cincuenta imágenes de la Colección José Luis Soler Vila, a un mosaico de rostros y personajes vistos e interceptados en calles y espacios cotidianos de Estados Unidos por una brillante nómina de once autores norteamericanos. Fotógrafos de referencia en su disciplina, son ejemplos de una mirada directa a la realidad que, con distintos objetivos y sensibilidades, todos compartieron e impulsaron, fascinados por capturar la vida con sus cámaras para, simplemente, mostrarla como se ve.

Iniciamos el itinerario presentando las piezas de los pioneros, como Walker Evans, Robert Frank o Louis Faurer, y lo finalizamos con la producción a color de Harry Callahan, Anthony Hernández o Tod Papageorge a partir de los sesenta. Una miscelánea de instantáneas del american people y su vida cotidiana que permite descubrir la importancia y la evolución del género, además de «poner cara» a las distintas y complejas realidades sociales de Estados Unidos a lo largo de seis décadas.

A través de la captación de imágenes de la vida real, el documentalismo se reveló como un género híbrido permeable al testimonio histórico, al retrato, a la pulsión de la calle, a la investigación psicológica y sociológica, a la denuncia social, a la ironía, a la narración… Así, la convivencia y combinación de diferentes tendencias, desde el fotoperiodismo a las fotografías directa, humanista y callejera, enriquecieron la esencia documental y permitieron a los fotógrafos imprimir un sello personal a sus trabajos.

En definitiva, partir de la realidad, reproducirla con exactitud e incluso dotarla de una dimensión enigmática como aspiración común de todos esos enfoques. Y mirar a lo ordinario, a lo que suele pasar inadvertido y hacer de la fotografía otra muestra más de la vida.

Beautiful People
Tod Papageorge en Studio 54
Colección José Luis Soler Vila
Espacio ArteSonado

En 1978 Tod Papageorge (Portsmouth, New Hampshire, 1940) cruzó el célebre cordón de terciopelo de la entrada de la discoteca Studio 54, que tantos desearon franquear durante los escasos tres años de actividad del local y que marcaba una especie de frontera fabulosa entre la Nueva York real y el universo salvaje y selecto que se desplegaba en el interior.

Inspirado por las imágenes del París de Brassaï en los años 30, que había visto en una exposición en el MoMA, y pertrechado, como él, con una cámara de formato medio, Papageorge vio desfilar ante su objetivo en el legendario nightclub entre 1978 y 1980 a una variopinta clientela de celebridades, personajes extravagantes y rostros anónimos, privilegiados admitidos a aquel santuario de la libertad y el placer.

Desde su apertura el 26 de abril de 1977, en el 254 de la calle 54 oeste, en Manhattan, hasta su clausura, en febrero de 1980, Studio 54 concitó, por rigurosa invitación, a la beautiful people [gente guapa] que vivía o pasaba por la ciudad, famosos o desconocidos esperando dejar de serlo, que querían ver y ser vistos. Personalidades del cine, la música, las artes, la moda o la política y fiesteros de todo pelaje recalaron en el local de moda del momento y se sumergieron en su ambiente único de euforia, diversión y desenfreno.

Moviéndose por los espacios cuidadosamente decorados y pensados para el disfrute (la pista de baile, el bar, las zonas VIP y la terraza), Papageorge inmortalizó la realidad intensamente terrenal de aquel paraíso efímero de la vida noctámbula neoyorquina, del que exponemos aquí una breve muestra. En estas fotografías, Studio 54 y su halo mítico de fenómeno cultural y artístico trascendente son lo que vemos: una colección de imágenes en blanco y negro que «siempre estuvieron pensadas para hablar por sí mismas».

Garry Winogrand, Marilyn Monroe, en el set de La tentación vive arriba, Nueva York, 1954, del portfolio 15 Big Shots (1983)
Fotografía a las sales de plata
Colección José Luis Soler Vila, Valencia.